믹싱 ≠ 라이브 사운드 조정, 이 작은 제안들로 오디오 작업을 산뜻하게 할 수 있다
믹싱은 단순한 예술이 아니라, 오디오 트랙을 최종 음악으로 조립하는 핵심 단계이다. 라이브 사운드 조정(調音)은 즉흥적인 공연이며, 무대 위 몇 시간을 안전하고 오류 없이 원활하게 완수하는 것을 보장한다. 믹싱은 결국 라이브 사운드 조정과 다르다.
우수한 믹싱은 음악 속의 빛나는 부분을 사람들 앞에 드러낼 수 있다. 이는 마치 가장 중요한 디테일에 모든 스포트라이트를 비추는 것과 같아, 이미 매우 흥분한 청중에게 한층 더 깜짝 놀라움을 더해주면서도, 트랜지스터 라디오로 듣든 오디오 애호가의 '드림 콤보'에서 나오든 간에 사운드가 말할 수 없을 만큼 아름다워야 한다고 볼 수 있다.
이론적으로 믹싱은 매우 간단해야 한다: 해야 할 일은 모든 소리가 좋게 들릴 때까지 몇 가지 노브를 돌리는 것뿐이다. 하지만 일반적으로 그렇게 운이 좋지는 않다.
믹싱은 믹싱 엔지니어에게 악기 연주만큼이나 어려울 수 있다. 따라서 더 가까이 다가가 믹싱의 각 단계를 자세히 관찰해 보자.
Bruce Swedien, Toger Nichol, Shelly Yakus, Steve Albini, Bob Clearmountain 등과 같은 최정상급 믹싱 엔지니어와 프로듀서들의 우수한 믹싱 작업을 분석하는 것부터 시작할 수 있다. 음악 자체에 집중하지 말고, 그 안의 믹싱에 주목하라.
각 악기의 소리, 심지어 '벽의 소리'까지 들으려고 노력해야 한다. 음악의 모든 요소는 각자 고유한 음향적 공간 위치를 가지기 때문이다.
동시에 음악의 주파수 응답 밸런스에도 주의를 기울여야 한다. 사운드에 충분한 고역 부분이 있어 비명 소리처럼 들리지 않도록 하면서도, 저음이 충분히 깔려 있어야 하지만 믹싱이 흐릿한 상태가 되지 않도록 해야 한다. 물론 선명하고 뚜렷한 중역 대역을 보장하는 것도 필수적이다.
가장 훌륭한 믹싱 참고 도구 중 하나는 CD 플레이어와 믹싱이 매우 훌륭한 참고용 CD이다(록 음악 CD 중에서 내가 가장 좋아하는 것은 Tom Petty and The Heartbreakers의 앨범 Damn the Torpedoes이다. 그 탁월한 점은 어떤 오디오 시스템으로 재생하든 사운드가 항상 좋다는 것이다).
CD 플레이어를 믹싱 콘솔에 연결하고, 자주 자신의 믹싱 작품과 참고용 CD를 비교하라. 만약 믹싱한 사운드가 다소 무미건조하거나, 날카롭거나, 흥미를 끌지 못한다면, 이러한 불량 결과를 발생시키는 신호원을 주의 깊게 모니터링하고 분리해야 한다. 참고용 CD는 드럼 소리, 보컬 및 기타 소리의 상대적 레벨량 등 여러 측면에서 지침을 줄 수도 있다.
믹싱 콘솔의 레벨 미터를 관찰하여 참고용 CD 내 곡의 레벨과 자신의 믹싱 작품의 레벨을 가능한 한 동일하게 맞추라(피크 신호가 레벨 미터에서 동일하게 높아지도록). 이때 작품의 전체 음량이 작게 들리고, 피크 레벨이 참고용 CD의 레벨 값을 초과했을 때조차도 그렇다면, 참고용 CD의 음악은 반드시 훌륭한 컴프레서 처리를 거쳐 전체 곡의 다이내믹 차이가 너무 크지 않도록 한 것이다.
사실, 컴프레션(압축)은 믹싱할 때 반드시 해야 할 몇 가지 작업 중 하나이다. 동시에, 정규 제작실은 반드시 최소한 하나의 일류 컴프레서와 그것을 능숙하게 다루는 일류 사용자를 보유해야 한다.
적절한 모니터링 레벨
너무 큰 소리는 귀를 피로하게 한다. 상대적으로 낮은 믹싱 레벨은 귀를 계속 '민감한' 상태로 유지하고 피로를 덜 느끼게 한다: 큰 믹싱 레벨은 혈액을 끓게 할 수 있지만, 레벨의 미세한 변화를 감지하기에는 불리하다.
많은 음악 스튜디오에는 노이즈 문제가 있으므로, 믹싱 시 헤드폰을 사용하는 것이 좋은 방법처럼 보인다. 헤드폰이 스피커에서는 잘 들리지 않는 디테일을 포착하는 데는 매우 뛰어나지만, 믹싱 작업을 위한 최선의 선택이라고는 할 수 없다. 헤드폰은 곡의 특정 디테일을 과장하기 때문이다. 따라서 믹싱 작업에는 헤드폰을 사용하지 말고, 믹싱 결과 확인에만 사용하라.
장비가 사운드를 '더럽히지' 않도록 하라
녹음 시작 시점부터 믹싱을 준비하라. 우수한 믹싱을 얻는 가장 중요한 요소 중 하나는 녹음 시 가능한 한 각 트랙의 사운드를 깨끗하게 유지하는 것이다.
신호원과 녹음기 사이에 제거할 수 있는 모든 장비를 치워라. 녹음 과정 대부분의 경우에는 신호 처리 장치의 '바이패스(bypass)' 스위치를 켜서 신호에 어떠한 효과도 추가하지 않고 신호의 '원래 맛'을 유지해야 한다.
가능하다면, 믹싱 콘솔도 치워두고, 소리 신호를 직접 녹음기에 입력하라(마이크의 경우 독립된 초고품질 프리앰프를 사용).
개별 음색에 대해서는 직접 녹음과 믹싱 콘솔 및 기타 장치를 통한 녹음의 차이를 느끼지 못할 수도 있다. 하지만 하나의 곡은 많은 오디오 트랙으로 구성되어 있으며, 각 트랙 사운드의 '깨끗하지 않은' 성분이 누적되면 믹싱 시 곡의 선명도에 확실히 영향을 미친다.
곡 편곡
편곡 단계에서 이미 믹싱을 고려해야 한다. 개인 음악 제작실의 전형적인 문제는 작품을 쉽게 복잡하게 만든다는 점이다. 초기 편곡 단계에서 음악의 구조를 가득 채워버리면, 녹음이 진행됨에 따라 새로운 아이디어를 추가할 공간이 없어지게 된다. 기억하라: 음표가 적을수록 각 음표가 주는 인상은 더 커진다. Sun Ra가 말했듯이: "공백도 표현이다."
여기에 몇 가지 추가 제안이 있다:
● 편곡이 너무 복잡해지면, 곡을 처음부터 재편집하는 것이 좋은 방법이다.
많은 사람들과 마찬가지로 나도 제작실에서 녹음하며 곡을 쓰기 때문에, 곡에 대한 느낌은 대개 임시적이고 즉흥적이다. 따라서 일부 요소를 삭제하면 곡을 간결하고 듣기 좋게 만들 수 있으며, 곡 전체에 대한 이해가 더 명확해진다.
● 리듬 파트가 아닌 가수의 보컬이나 다른 멜로디 악기로 곡을 구성해 보라.
먼저 드럼, 베이스, 피아노 등으로 간단히 박자 포인트를 표시하고 녹음한 후, 보컬을 녹음하여 가능한 한 잘 편집 처리하라. 이렇게 하면 리듬 트랙을 편곡할 때 보컬의 미묘한 특징에 매우 민감해지므로, 리듬 파트의 강도를 어디에서 높여야 하고 어디에서 잠잠하게 해야 하는지를 매우 쉽게 느낄 수 있을 것이다.
● 디지털 오디오 기능을 포함하는 시퀀서 소프트웨어(예: Opcode 사의 Studio Vision, MOTU 사의 Digital Performer, Steinberg 사의 Cubase Audio, Emagic 사의 Logic Audio, Cakewalk Pro Audio 등)를 사용하면, 과도한 음악적 구조(織體, texture)를 추가하기 전에 먼저 보컬 트랙을 매우 쉽게 녹음하고 편집할 수 있다.
이렇게 보컬을 들으면서 편곡하면, 편곡한 곡이 보컬과 더욱 긴밀하게 어우러질 것이다.
우수한 믹싱은 음악 속의 빛나는 부분을 사람들 앞에 드러낼 수 있다. 이는 마치 가장 중요한 디테일에 모든 스포트라이트를 비추는 것과 같아, 이미 매우 흥분한 청중에게 한층 더 깜짝 놀라움을 더해주면서도, 트랜지스터 라디오로 듣든 오디오 애호가의 '드림 콤보'에서 나오든 간에 사운드가 말할 수 없을 만큼 아름다워야 한다고 볼 수 있다.
이론적으로 믹싱은 매우 간단해야 한다: 해야 할 일은 모든 소리가 좋게 들릴 때까지 몇 가지 노브를 돌리는 것뿐이다. 하지만 일반적으로 그렇게 운이 좋지는 않다.
믹싱은 믹싱 엔지니어에게 악기 연주만큼이나 어려울 수 있다. 따라서 더 가까이 다가가 믹싱의 각 단계를 자세히 관찰해 보자.
Bruce Swedien, Toger Nichol, Shelly Yakus, Steve Albini, Bob Clearmountain 등과 같은 최정상급 믹싱 엔지니어와 프로듀서들의 우수한 믹싱 작업을 분석하는 것부터 시작할 수 있다. 음악 자체에 집중하지 말고, 그 안의 믹싱에 주목하라.
각 악기의 소리, 심지어 '벽의 소리'까지 들으려고 노력해야 한다. 음악의 모든 요소는 각자 고유한 음향적 공간 위치를 가지기 때문이다.
동시에 음악의 주파수 응답 밸런스에도 주의를 기울여야 한다. 사운드에 충분한 고역 부분이 있어 비명 소리처럼 들리지 않도록 하면서도, 저음이 충분히 깔려 있어야 하지만 믹싱이 흐릿한 상태가 되지 않도록 해야 한다. 물론 선명하고 뚜렷한 중역 대역을 보장하는 것도 필수적이다.
가장 훌륭한 믹싱 참고 도구 중 하나는 CD 플레이어와 믹싱이 매우 훌륭한 참고용 CD이다(록 음악 CD 중에서 내가 가장 좋아하는 것은 Tom Petty and The Heartbreakers의 앨범 Damn the Torpedoes이다. 그 탁월한 점은 어떤 오디오 시스템으로 재생하든 사운드가 항상 좋다는 것이다).
CD 플레이어를 믹싱 콘솔에 연결하고, 자주 자신의 믹싱 작품과 참고용 CD를 비교하라. 만약 믹싱한 사운드가 다소 무미건조하거나, 날카롭거나, 흥미를 끌지 못한다면, 이러한 불량 결과를 발생시키는 신호원을 주의 깊게 모니터링하고 분리해야 한다. 참고용 CD는 드럼 소리, 보컬 및 기타 소리의 상대적 레벨량 등 여러 측면에서 지침을 줄 수도 있다.
믹싱 콘솔의 레벨 미터를 관찰하여 참고용 CD 내 곡의 레벨과 자신의 믹싱 작품의 레벨을 가능한 한 동일하게 맞추라(피크 신호가 레벨 미터에서 동일하게 높아지도록). 이때 작품의 전체 음량이 작게 들리고, 피크 레벨이 참고용 CD의 레벨 값을 초과했을 때조차도 그렇다면, 참고용 CD의 음악은 반드시 훌륭한 컴프레서 처리를 거쳐 전체 곡의 다이내믹 차이가 너무 크지 않도록 한 것이다.
사실, 컴프레션(압축)은 믹싱할 때 반드시 해야 할 몇 가지 작업 중 하나이다. 동시에, 정규 제작실은 반드시 최소한 하나의 일류 컴프레서와 그것을 능숙하게 다루는 일류 사용자를 보유해야 한다.
적절한 모니터링 레벨
너무 큰 소리는 귀를 피로하게 한다. 상대적으로 낮은 믹싱 레벨은 귀를 계속 '민감한' 상태로 유지하고 피로를 덜 느끼게 한다: 큰 믹싱 레벨은 혈액을 끓게 할 수 있지만, 레벨의 미세한 변화를 감지하기에는 불리하다.
많은 음악 스튜디오에는 노이즈 문제가 있으므로, 믹싱 시 헤드폰을 사용하는 것이 좋은 방법처럼 보인다. 헤드폰이 스피커에서는 잘 들리지 않는 디테일을 포착하는 데는 매우 뛰어나지만, 믹싱 작업을 위한 최선의 선택이라고는 할 수 없다. 헤드폰은 곡의 특정 디테일을 과장하기 때문이다. 따라서 믹싱 작업에는 헤드폰을 사용하지 말고, 믹싱 결과 확인에만 사용하라.
장비가 사운드를 '더럽히지' 않도록 하라
녹음 시작 시점부터 믹싱을 준비하라. 우수한 믹싱을 얻는 가장 중요한 요소 중 하나는 녹음 시 가능한 한 각 트랙의 사운드를 깨끗하게 유지하는 것이다.
신호원과 녹음기 사이에 제거할 수 있는 모든 장비를 치워라. 녹음 과정 대부분의 경우에는 신호 처리 장치의 '바이패스(bypass)' 스위치를 켜서 신호에 어떠한 효과도 추가하지 않고 신호의 '원래 맛'을 유지해야 한다.
가능하다면, 믹싱 콘솔도 치워두고, 소리 신호를 직접 녹음기에 입력하라(마이크의 경우 독립된 초고품질 프리앰프를 사용).
개별 음색에 대해서는 직접 녹음과 믹싱 콘솔 및 기타 장치를 통한 녹음의 차이를 느끼지 못할 수도 있다. 하지만 하나의 곡은 많은 오디오 트랙으로 구성되어 있으며, 각 트랙 사운드의 '깨끗하지 않은' 성분이 누적되면 믹싱 시 곡의 선명도에 확실히 영향을 미친다.
곡 편곡
편곡 단계에서 이미 믹싱을 고려해야 한다. 개인 음악 제작실의 전형적인 문제는 작품을 쉽게 복잡하게 만든다는 점이다. 초기 편곡 단계에서 음악의 구조를 가득 채워버리면, 녹음이 진행됨에 따라 새로운 아이디어를 추가할 공간이 없어지게 된다. 기억하라: 음표가 적을수록 각 음표가 주는 인상은 더 커진다. Sun Ra가 말했듯이: "공백도 표현이다."
여기에 몇 가지 추가 제안이 있다:
● 편곡이 너무 복잡해지면, 곡을 처음부터 재편집하는 것이 좋은 방법이다.
많은 사람들과 마찬가지로 나도 제작실에서 녹음하며 곡을 쓰기 때문에, 곡에 대한 느낌은 대개 임시적이고 즉흥적이다. 따라서 일부 요소를 삭제하면 곡을 간결하고 듣기 좋게 만들 수 있으며, 곡 전체에 대한 이해가 더 명확해진다.
● 리듬 파트가 아닌 가수의 보컬이나 다른 멜로디 악기로 곡을 구성해 보라.
먼저 드럼, 베이스, 피아노 등으로 간단히 박자 포인트를 표시하고 녹음한 후, 보컬을 녹음하여 가능한 한 잘 편집 처리하라. 이렇게 하면 리듬 트랙을 편곡할 때 보컬의 미묘한 특징에 매우 민감해지므로, 리듬 파트의 강도를 어디에서 높여야 하고 어디에서 잠잠하게 해야 하는지를 매우 쉽게 느낄 수 있을 것이다.
● 디지털 오디오 기능을 포함하는 시퀀서 소프트웨어(예: Opcode 사의 Studio Vision, MOTU 사의 Digital Performer, Steinberg 사의 Cubase Audio, Emagic 사의 Logic Audio, Cakewalk Pro Audio 등)를 사용하면, 과도한 음악적 구조(織體, texture)를 추가하기 전에 먼저 보컬 트랙을 매우 쉽게 녹음하고 편집할 수 있다.
이렇게 보컬을 들으면서 편곡하면, 편곡한 곡이 보컬과 더욱 긴밀하게 어우러질 것이다.